REMAKES

En el mundo del cine es bastante común oír el término “Remake”, pero de qué hablamos en realidad cuando lo utilizamos. La respuesta es bastante sencilla, se trata de una nueva versión o reedición de alguna película. Como muchas otras, la palabra remake es un término que no forma parte del diccionario de la Real Academia Española (RAE), y lo usamos para referirnos a una película o clásico del cine que se filmará nuevamente pero incluirá nuevas variaciones sin romper con el espíritu de la original.

Las remakes no solo forman parte de la industria cinematográfica, sino que también se dan adaptaciones para la televisión, en series y novelas, y también suelen darse aunque con menor frecuencia en los videojuegos, en éste caso el videojuego es original pero basado en alguno ya existente. Por lo tanto, suele consistir en narrar lo mismo que ya se narró con anterioridad, pero empleando actores diferentes o modificando el contexto del relato, por citar algunos de los cambios más frecuentes.

Lo que “esconden” en realidad estas adaptaciones son dos problemas que preocupan y ocupan a quienes trabajan en la industria audiovisual: falta de creatividad y miedo a apostar por la innovación. Los estudios de Hollywood prefieren reflotar una película que demostró ser exitosa en el pasado y vuelven a rodarla con mínimos cambios. De este modo, queda menos espacio para historias novedosas y películas diferentes.

Según otras voces, las adaptaciones cinematográficas se hacen porque algunos directores, a partir de alguna película que haya tenido éxito, deciden producir variaciones e introducir en éstas el estilo que los caracteriza.

Muchas veces no se logra repetir el éxito de la película original o contar con el respaldo de la crítica y el público. No obstante, también es cierto que existen otros muchos remakes que han sido más alabados y ensalzados que incluso los largometrajes en los que estaban inspirados. Ejemplos de esto son:

-”Heat”. En el año 1995 fue cuando se llevó a cabo el estreno de este filme que venía a ser una nueva versión de una película de televisión que llevaba por título “L.A Takedown”. Ambas producciones fueron dirigidas por Michael Mann, pero la última fue con la que se sintió más satisfecho y con la que logró el respaldo del público gracias, entre otras cosas, a las interpretaciones de sus protagonistas: Robert De Niro y Al Pacino.



-”Scarface”. Bajo este título se encuentran dos idénticos filmes: el original, protagonizado por Paul Muni, y su remake, que fue el que logró el éxito y las buenas críticas. A eso contribuyó el gran trabajo llevado a cabo por el actor Al Pacino, el guionista Oliver Stone y el director Brian de Palma.



-”Los padres de ella”. Aunque muy pocas personas lo saben, esta comedia estadounidense, una de las de más éxito en las últimas décadas, es un remake de un largometraje indio de los años 90 que se dio en llamar “Meet the parents”. El dúo humorístico formado por Ben Stiller y Robert De Niro fue el gran responsable de que el remake tuviera un auténtico boom en las taquillas.



Uno de los países que más adaptaciones de películas extranjeras realiza es Estados Unidos. Es una manera de tomar aquello que tuvo éxito en otras partes del mundo y de adaptarlo a la cultura estadounidense, llevando las propuestas al idioma inglés y con actores reconocidos por el público local.

Algunas de las remakes más populares en la historia del cine

El amanecer de los muertos:

La mosca:

El aro:

La casa de cera:

En cualquiera de los casos las remakes siempre son el blanco de opiniones encontradas. La crítica es sumamente influyente. Puede elogiar una adaptación al extremo de ubicar al film en el podio de los más vistos, o bien arruinar una película sin importar el trabajo tanto del director, productores, actores y todos aquellos que formaron parte de la realización audiovisual. De todos modos, por más de tratarse de críticas realizadas por personas (casi siempre) calificadas para opinar de cine, no se debe olvidar que se trata de meras opiniones subjetivas y que quien tendrá la última palabra será el público soberano.

Efectos 3D en la película "Avatar"

La película Avatar sorprendió por la calidad visual de sus personajes y ambientes. Las técnicas que se utilizaron en la realización del film dan inicio a un nuevo paradigma de animación en 3D

Varias semanas antes de su estreno ya escuchamos hablar de la película Avatar. No sólo era la publicidad -herramienta básica para promocionar los productos de la industria del cine- la que nos recordaba la inminente llegada del film a las salas de todo el mundo, sino que también escuchamos a distintos entendidos en la materia hablar de la revolución que Avatar significaría para el cine y, sobre todo, para la animación en 3D. Los expertos nos garantizaban un espectáculo visual nunca antes visto y aseguraban, sin vacilar, que Avatar sería el puntapié inicial de un nuevo paradigma. Muchos dirán que estos comentarios no fueron otra cosa que parte de una estrategia publicitaria, sin embargo, después de ver la película, uno se da cuenta de que todas esas críticas pre-estreno no estaban equivocadas.

Según James Cameron, escritor y director de este proyecto, Avatar marca un punto de inflexión en la forma en que los técnicos trabajan con efectos visuales y en cómo son experimentados por el público.

Rob Legato, supervisor de efectos especiales en Avatar y otras grandes producciones -entre las que se encuentran Apollo 13, Titanic, Armageddon y El Aviador-, ideó una forma de trabajo totalmente radical e innovadora. Esta nueva técnica permitió que Cameron observara directamente en un monitor cómo los personajes generados por computadora interactuaban con el entorno virtual, en tiempo real, mientras filmaba a los actores. De esta manera, el director logró un mayor control sobre el producto final, ya que podía trabajar sobre cada toma como si realmente estuviera en ese planeta fantástico, agregando o quitando cosas según él lo creyera conveniente. El resultado es una película que refleja la visión personal de James Cameron sobre ese mundo extraterrestre, ya que muchas decisiones que hasta hace poco tomaban los animadores en la etapa de post-producción, fueron responsabilidad del director en el set de filmación.

Secuencia en la que se ve el proceso de creación de una toma, desde la captura del movimiento de los actores, hasta el render final de la imagen.

Robert Powers, supervisor del departamento de arte virtual, fue parte del primer grupo que empezó a trabajar en la animación de Avatar hace cinco años. Su mayor contribución es en el desarrollo de los ambientes dePandora: la primera vez que un Na'vi (nativo de Pandora), caminó a través de la jungla del planeta, Powers creó la jungla y animó al personaje. Powers se dedicó a lograr la iluminación y la atmósfera que James Cameron quería para los ambientes de Pandora, para eso recurrió a MotionBuilder, el producto de Autodeskdesarrollado para lograr animaciones complejas de personajes y que permite la animación por captura de movimiento. Powers trabajó en el desarrollo de distintas técnicas para que Cameron pudiera realizar cambios en el medio ambiente durante la filmación sin perder tiempo, como el volumen de hojas de los árboles y las plantas.

Una de las técnicas más importantes para el desarrollo de los ambientes de Pandora fue la creación de biósferas generadas por computadora que "funcionaban" continuamente, es decir que la simulación de esos ambientes no se interrumpía, como si se tratara de un planeta real. Gracias a esta técnica, era posible colocar una cámara en una biósfera o domo que estaba en constante cambio, y hacer un render de una esfera de 360 grados y un radio determinado por el nivel de interacción de los personajes y los objetos con la escena.

Pandora, el planeta en donde transcurre Avatar, es un mundo fantástico, de una belleza impactante. Los artistas a cargo del diseño y animación de los ambientes de Pandora consiguieron desarrollar imágenes excepcionales.

La belleza del mundo creado por estos artistas es impactante. La calidad de las imágenes logradas es excepcional. La expresión de los avatares es, sin duda alguna, la más perfecta que se haya logrado en la historia de la animación. El cuerpo, el rostro y la mirada de los Na´vi comunican tanto como sus palabras y empujan al espectador a ese mundo fantástico. El detalle con el que se trabajó este aspecto de la animación es sobresaliente. Cameron y todo su equipo de diseñadores, animadores y artistas lograron que el público se interiorizara con los sentimientos de los personajes sólo con mirarlos.

Para capturar el rostro de los actores, se colocó una cámara especial adherida a un casco que registraba todos sus movimentos y expresiones faciales.

Weta Digital es la compañía de efectos visuales que se encargó de que el producto final se viera como James Cameron lo había imaginado. De las aproximadamente 2200 tomas que componen la película, Weta Digitaltrabajó en 1800. Sus principales desafíos fueron lograr que los habitantes de Pandora fueran lo más expresivos posible y encontrar la forma de hacer que criaturas con seis piernas caminaran con naturalidad y que otras con cuatro alas volaran de una manera que resultara verosímil.

El mayor esfuerzo se puso en la animación de los rasgos faciales de los avatars. Weta Digital desarrolló unsoftware que los ayudó a mejorar considerablemente el movimiento, la posición y, en consecuencia, la expresión de los ojos de los personajes animados. Uno de los grandes desafíos con los que se encontraron en Weta Digital fue la animación del movimiento de los labios en los diálogos, ya que el Facial Animation Coding System (FACS, por sus iniciales en inglés), no trabaja este aspecto de la animación.

Para la animación de las explosiones se modificó el software que las genera para simular de forma precisa el comportamiento de los gases en expansión, interactuando de forma correcta con el resto de los objetos que componen la escena.

Los responsables de los efectos visuales pusieron especial atención en la animación de las explosiones para lograr que se vieran realistas.

Otro de los grandes desafíos fue trabajar la animación en términos de cine 3D, por lo que no era suficiente con que la película se viera bien en el espacio de la pantalla, sino que los animadores debieron pensarla en términos de una sala de cine. Para lograr que el efecto tridimensional sobre el espectador fuera lo más atrapante posible, era necesario trabajar con mucha mayor precisión y un volumen de datos de animación mucho mayor que en el cine tradicional.

Recientemente se dio a conocer que Avatar superó a Titanic, también dirigida por James Cameron, en la recaudación, lo que la convierte en la película más exitosa de la historia del cine. Si bien es cierto que la cantidad no determina la calidad, directores, críticos y espectadores coinciden en que Avatar es uno de los mayores espectáculos cinematográficos de los últimos tiempos. La calidad de la animación de personajes y escenarios en 3D alcanzó un nivel que antes se creía imposible, y la posibilidad de que un software interprete los movimientos de un actor para después convertirlo en un personaje fantástico, sin perder la esencia del arte dramático, hará que, a partir de ahora, la industria del cine deba replantearse el concepto de animación en 3D.

Los proyectores 3D

La clave del desempeño del sistema de proyección IMAX y de su fiabilidad, extraordinaria nitidez y claridad, es simplemente producto del tamaño de la pantalla, combinado con el singular movimiento de filmación rollingloop, el cual adelanta el filme en forma horizontal con un movimiento suave y ondeante. Durante la proyección, cada cuadro de película es posicionado en pines fijos, mientras un vacío sostiene el filme contra la espalda de la lente. Como resultado, la película y la estabilidad del enfoque sobrepasan los niveles normales. 

El proyector 3D, del tamaño de un vehículo, proyecta en forma alternada la imagen del ojo izquierdo y del derecho, sobre la pantalla gigante. 

La lámpara del proyector Xenon de 1,5 kilovatios es tan brillante que si se colocara en la luna y se dirigiera hacia la tierra, sería fácilmente visible al ojo, sin ninguna ayuda. 

La película es rodada en el proyector a 24 cuadros por segundo. Los obturadores del proyector alternan la imagen izquierda y la derecha a 96 veces por segundo. 

La tecnología 3D se basa en la visión humana: Imita la forma en que vemos el mundo real. Cuando observamos un objeto, cada ojo tiene una vista ligeramente diferente del objeto. Por un proceso llamado visión estereoscópica el cerebro funde las dos imágenes en una sola en 3D.

La Historia del Cine

Como espectáculo comenzó en París Francia, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde el primitivo, y se atribuye a los hermanos Lumiére, que proyectaron imágenes en movimiento frente a un auditorio. El suceso provocado por el invento, llevó a una rápida evolución del mismo, y para 1899, ya se había producido un filme de 15 minutos. habían inventado lo que muchos han calificado como la fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí, pero de hacer dinero.

Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de espectadores. Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. Por un lado, exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúnte. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895).

Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, diferentes inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en movimiento. Por ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó solamente un año después de que lo inventaran los hermanos franceses.

Primer Montaje en el Cine

Edwin S. Porter, tuvo la genial idea de montar por separado una serie de escenas de archivo de incendios y acciones de los bomberos. El resultado fue, probablemente, la primera película de montaje de la historia del cine Vida de un bombero americano (Life of an American Fireman, 1903). Su descubrimiento lo perfeccionó en Asalto y robo al tren (The great train robbery, 1903), en la que mezcla varias historias rodadas por separado que confluyen en un momento determinado. Entre las secuencias, son de destacar: unos bandidos que han asaltado la estación, la hija del telegrafista que al que han amordazado, y un baile en el que está la gente del pueblo. La historia finaliza en la confluencia de estos tres relatos en un final en el que los bandidos son rodeados y vencidos. El final de la película es otro avance indiscutible: el primer plano del actor George Barnes, jefe de los bandidos, que apunta su revólver hacia el público, y dispara. Desde esta película el avance del lenguaje cinematográfico fue imparable.

Efectos Especiales

Hola! Soy Nelson Sebastian González, soy estudiante de Comunicación Social y en mi columna del este blog voy a hablar sobre los efectos especiales en el cine y la televisión. 



Los efectos especiales se utilizan en la industria de cine o en televisión para conseguir escenas que no se pueden realizar por medios normales, como por ejemplo, un viaje al espacio. La técnica para la creación de efectos digitales se denomina postproducción. Los efectos están realizados con estaciones de trabajo profesionales.

También se utilizan cuando la generación del efecto por medios normales es demasiado cara o peligrosa, como explosiones etc. Asimismo, también se utilizan para mejorar elementos en películas que ya se han realizado, por medio de la inclusión, extracción y mejoramiento de objetos dentro de una escena

Técnicas

Existen muchas técnicas de efectos especiales, que van desde efectos tradicionales en salas de teatro, pasando por técnicas clásicas de filmación inventadas a principios del siglo XX, tales como fotografía de imágenes aéreas, hasta las técnicas gráficas de computadoras modernas.

A menudo se utilizan diferentes técnicas en conjunto en una escena o toma para alcanzar el efecto deseado. Con frecuencia los efectos especiales son "invisibles", es decir, la audiencia no se da cuenta de que se tratan de efectos especiales. Un ejemplo de esto son los escenarios de películas históricas donde la arquitectura y alrededores son recreados por medio de efectos especiales.

Netflix: La plataforma revolucionaria que cambió la manera de ver películas y series.

Netflix nació allá por el año 1997, como toda idea, surgió a partir de una insastisfaccion individual. Todo se decantó cuando al despistado Reed Hasting, actual presidente, le cobrararon 40 dólares por una reproducción de VHS de Apollo 13 que devolvió tardíamente. 

La cuestión era que estos problemas eran bastantes recurrentes en la vida del cinéfilo Hastings, hasta que llegó un día en el que la multa por el retraso era tan abultada que le daba vergüenza explicárselo a su mujer. Entonces se dijo a sí mismo que era imposible que ese fuera el mejor sistema para alquilar películas, debía existir algo mejor y así le surgió la idea.

Su solución fue crear una plataforma de alquiler por correo que permitía que el usuario se quedara las películas tanto tiempo como quisiera. A cambio, debía pagar una tarifa plana mensual. Era una idea sencilla. Pero nadie la había tenido antes.

Sin embargo, Hastings sabía que no había suficiente con ser un simple catálogo de películas con servicio de mensajería. Por ello reclutó a Neil Hunt, un matemático con el que ya había trabajado en Pure Software –su primera empresa–. Juntos crearon un “motor de personalización” que descifraba lo que gustaba a cada uno de los suscriptores. En función de lo que habían visto anteriormente, les sugería qué ver a continuación.

Hoy en día es el mayor servicio de películas on demand, domina el segmento del streaming de manera aplastante en Estados Unidos y tiene fuertes deseos de expandirse por todo el  el mundo. Por el momento se encuentra habilitada en 50 países y sus ingresos anuales se estiman en seis mil millones de dólares. Además supera en suscripciones a las mejores cadenas de televisión de Estados Unidos mientras su números de clientes crece a pasos agigantados en América Latina.

"Los canales que invierten sumas incalculables de dinero por tener un espacio y frecuencia en el aire y que giran en torno a una programación rígida, a horas determinadas, serán cosa del pasado. El futuro es completamente digital, pues esta es la Era de Internet."

                                  Reed Hastings, cofundador y CEO de Netflix

 

 Su empresa, Netflix, de la que es fundador y CEO innovó un método de películas a domicilio que acabó con grandes como Blockbuster y luego se convirtió en la compañía líder de video por demanda, incluso antes de que hubiera la suficiente velocidad en línea para que fuese una realidad. Asegura que antes del 2030 la televisión, como la conocemos, dejará de existir. 

¿Su secreto?

Utilizar los datos de sus suscriptores para darle exactamente lo que quieren. Mimarlos. Hacerlos sentir especiales.

"Netflix no es una empresa, es un amigo"

 "Netflix ha convertido el entretenimiento audiovisual en algo más parecido a tomar un libro: lo agarras cuando quieras, lo abres por la página que desees y tienes todos los capítulos de golpe"

                          Franc Sayol, productor de música y periodista

Uno de los grandes activos de Netflix es que tiene la costumbre de no enojar a sus usuarios.

Desde que, en 2007, la compañía anunció que sus suscriptores podrían ver los vídeos instantáneamente por streaming, gran parte de su éxito ha recaído en eliminar las incomodidades de la televisión tradicional. Una de ellas era tener que adaptarse a una programación lineal preestablecida. La otra que los anuncios interrumpiesen constantemente la programación.

Hastings lo solucionó convirtiendo el entretenimiento audiovisual en algo más parecido a leer un libro. Lo cogías cuando querías, lo abrías por la páginas que deseases y tenías todos los capítulos de golpe.

Durante sus años como servicio de alquiler de DVDs, Netflix había mimado a sus clientes con un servicio de atención al cliente excelente. Si perdías alguno de los discos, por ejemplo, nunca te cobraba recargo.

Con su trasvase al streaming, la compañía ha seguido obsesionada con minimizar todo aquello que pueda incomodar a sus clientes. Como el propio Hastings ha reconocido en múltiples ocasiones, el verdadero secreto del éxito de Netflix es que se adapta a sus usuarios.

El pasado mes de junio, por ejemplo, Netflix decidió lanzar toda la tercera temporada de Orange Is the New Black antes de lo previsto. Con ello no solo complació a todos los fans de la serie sino que les mandó el mensaje de que entendía sus ansias por ver los nuevos capítulos y que estaban dispuestos a calmarlas.

Es por este tipo de detalles por lo que la relación que mantiene Netflix con sus clientes es más especial que la de un simple proveedor de streaming.

                                       8 cosas que no sabías de Netflix

 Fuentes: 

 http://www.playgroundmag.net/articulos/columnas/Netflix-podria-dominar-caerle-nadie_0_1643835607.html

Entrevista de Carolina Venegas Klein con el fundador y CEO de Netflix, Reed Hastings

El cine de animación: el alma de las cosas

¡Bienvenidos, lectores!

Yo soy Maria José, estudiante de comunicación social y dibujante cuando la inspiración me llega. Disney estuvo a cargo de mi educación en los primeros años de mi vida, después las series de anime japonés me contaron historias diferentes en mi adolescencia y ahora las producciones de Dreamworks son mis favoritas. En mi sección voy a hablar del cine de animación, del trabajo de sus creadores y los recursos tecnológicos que utilizan para dar vida a sus historias.

Así como los niños dotan a las cosas inanimadas de un alma, diciendo que la mesa es “mala” porque les ha “golpeado” la frente o usan una escoba diciendo que es un caballo, hay adultos que persisten en esa ilusión infantil para crear lo que se conoce como cine de animación. El hada azul que con un toque de su varita dio vida al muñeco de madera Pinocho, puede ser el ideal de los animadores de los estudios de grabación que trabajan en la realización de millones de bocetos, de los que ocupan decenas para hacer visible el mínimo gesto de un personaje y miles para hacer posible una escena de interacción.

El cine de animación no utiliza la técnica de rodaje de situaciones reales, sino de una o más técnicas de animación como las de los dibujos animados o la animación en volumen, a la más reciente y usada animación por computadora. En la filmación de imágenes reales se registran éstas imágenes en movimiento continuo, descomponiendo automáticamente en un numero determinado de imágenes por segundo. En cambio, en la producción de animaciones no existe un movimiento real que registrar, sino que se producen imágenes separadas que al proyectarse de manera consecutiva dan por resultado una ilusión de movimiento. 

A falta de una varita como la del hada azul, estas y otras técnicas son las que hacen posible que un dibujo salga de un papel y baile, que los muebles de una casa se muevan solos y que muñecos de madera o juguetes cobren vida. A falta de magia, tenemos tecnología. 

Fuente: es.wikipedia.org